Entrevista a Marta Ribes

¡Hola!

¿Qué tal ha ido la semana? Por aquí el tiempo se ha respetado bastante y hemos podido ir a la playa, de momento a pasear, más adelante ya haremos surf, no os parece.

Volvemos a la carga con las entrevistas, con ganas de conocer gente nueva fresca y que seguro nos enseñan algo diferente.

Hoy os quiero presentar a Marta Ribes (Castellón, 1978), artista gráfica, pero mejor si hablamos con ella.

"Soy un poco tímida, así que dejo que mis personajes expresan aquello que yo no me atrevo."

Marta Ribes

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Hola Marta, me alegro que hayas aceptado la entrevista, me hace mucha ilusión, espero poder pasar un rato entretenida y aprender muchas cosas. Allá vamos, te parece?

Empezamos por el principio, ¿cómo fueron tus comienzos como artista plástica? ¿Porqué empezaste a pintar y dibujar? ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte?

Ana, gracias por traerme a tu blog, estoy encantada de estar en este sitio tan bonico.

Ya que lo preguntas, como la mayoría de artistas plásticos, mis inicios fueron a través del dibujo. Cuando era una niña ya me fascinaba dibujar. Y se me daba bien: mi primera bicicleta la gané en un concurso de dibujo.

Cursé toda la EGB en un cole en el que se comentaba mucho la creatividad. Recuerdo que de pequeña me evadía de todo dibujando. Podía pasarme horas. A veces hasta me saltaba la hora de patio. Así que primero me interesé por los tebeos. Me gustaban en particular Vázquez y Escobar. Me fijaba mucho en las ilustraciones de los cuentos de manera intuitiva. También leía "El Pequeño País" que regalaban con el periódico que compraban en casa. Y lo coleccionaba. Recuerdo que entonces las ilustraciones se llamaban “Dibujos”. Y sí, todavía tengo guardados esos “Pequeños Países” como oro en paño.

Más tarde empecé a ver pintura en libros y museos. Cuando hubo que elegir carrera no dudé en matricularme en Bellas Artes. Me licencié en Barcelona en la especialidad de grabado. Es inevitable recordar a los profesores que más me impactaron. Raimón Arola, impartía Simbolismo y por aquel entonces nos “obligó” a leer Las metamorfosis de Ovidio (hoy no sería capaz de hacerlo). Debíamos escoger uno de tantos mitos griegos que se cuentan en este clásico de la literatura para estudiarlo y hacer un trabajo. El mito que elegí fue el del Minotauro. Me llamaba mucho la atención... Y me pasé meses pintando y grabando laberintos. Te hablo de finales de los 90. Ha llovido bastante y ese mito sigue hablando de mi identidad.

Otro profesor que recuerdo con simpatía es Mariano Zunzunegui. Impartía clases de Fotografía (analógica) y con él construimos una cámara estenopeica. Podías hablar con él en la cantina; era bastante “enrrollao”. El caso es que una mañana tomando un café con otros alumnos le preguntábamos un montón de dudas sobre fotografía y la cámara y recuerdo que citó a su abuela que de pequeño le decía: “El que no sirve, no sirve para nada”. Y nos dejó con la boca abierta. No he olvidado esa frase. Tal vez ahí surgió la idea de un personaje recurrente en mis obra: la criada.

La sensación más parecida a revelar tus propias fotos en el laboratorio es la de estampar tu propio grabado en el tórculo (prensa de grabado). El grabado es una mezcla de dibujo, pintura y escultura. También quería aprender la técnica. Otro aspecto que me atrajo de la especialidad de estampación es el concepto de original múltiple del grabado. Ese es el motivo de que eligiera “ÚNICO Y MÚLTIPLE” como tagline para mi web.

En el mundo de la estampación conviven infinidad de técnicas en las que intervienen herramientas de formas extrañas: gubias, fieltro, tarlatana y líquidos misteriosos y tóxicos o peligrosos: ácido nítrico, ácido sulfúrico, petróleo, disolvente... En Barcelona hay mucho ambiente artístico y cultural. Recuerdo bien las pelis clásicas de los cines Meliés y la Filmoteca. Con amigas de la facultad ibamos a todas las expos que podíamos: al Caixaforum y a muchas salas de exposiciones. Recuerdo las de la Pedrera, gratuitas y muy buenas como una de un pintor que me inspira: Emil Nolde. En el Museo Picasso se comisarió una expo de Egon Schielle. Al recordarla todavía se me ponen los pelos de punta. Un maestro del dibujo total. Hoy sigue inspirando a muchos.

En la Sala de exposiciones del Hospitalet Tecla Sala que entonces dirigía Victoria Combalía se mostraban obras de mujeres artistas contemporáneas y también arte conceptual catalán de los 70. En el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) organizaron una expo de Miquel Barceló, con muchísima obra. Barceló sólo tenía 40 años. Por los alrededores del barrio Gótico y el Raval siempre había “saraos”.

Marta Ribes. La merienda. La Magdalena. Acuarela. 2011.

Ya sé que es difícil, pero si tuvieras que escoger una de tus obras ¿cuál dirías que ha sido la obra que más te ha marcado?

Buena pregunta, Aniwiki. Sinceramente la obra qué más me ha marcado es Los Jugadores de Cartas. Pertenece a la serie de cuadros y grabados Los Comensales. El primer boceto de esta serie data de 1997. Todavía lo conservo. En 2010 empecé a trabajar muy intensamente la serie de Los Comensales para mi primera expo individual en Castellón en la Galería Imagenarte de Pilar Edo, en la Calle Núñez de Arce de Castellón. La serie empezó siendo una excusa para reunir personajes en torno a una mesa.

Más tarde estas representaciones cogieron fuerza. Como sabes, estábamos en plena crisis económica y muchas personas estaban en un ERE o iban perdiendo su trabajo poco a poco. Se estaba cumpliendo lo que cuenta Niño Becerra en El Crash de 2010. Entonces, en el cuadro de Los jugadores de Cartas los comensales ya se han quedado sin comida y sin dignidad. Su expresión es de resignación y rabia. La situación es trágica, sin embargo siempre hay un punto de humor o esperanza.



Un poco más difícil todavía, si tus obras pudiesen hablar... ¿Qué dirían sobre la artista? ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? ¿Qué estilo o movimiento artístico crees que te ha influído más? ¿Qué pintor crees que te ha marcado?t

Vaya, Ana, qué original. Me encanta la pregunta. Creo que mis personajes se pondrían a criticarme (jajaja): me acusarían de dibujarlos mal o poco agraciados. Tienen una personalidad burlona e impertinente. Soy un poco tímida, así que dejo que ellos expresen aquello que yo no me atrevo. Así es. Los utilizo para poner distancia y dar voz a preocupaciones de todo tipo que me rondan la cabeza. El arte tiene esa vertiente terapéutica.

Y me interesa la "narratividad". Por eso muchos cuadros son horizontales. El formato apaisado incita a la lectura de derecha a izquierda y de arriba abajo. Supongo que recuerdas la regla de los tres tercios de la composición fotográfica ¿no?. La pintura funciona exactamente igual. Admiro a muchos artistas como Brueghel el Viejo, William Hoghart, Gustave Doré en su vertiente más satírica, los dibujos de Daumier... Son los cómics de la pintura. Cuentan historias. Me interesa lo feo o aquello que no se acoge a los cánones de belleza impuestos. La belleza puede llegar a aburrir... ¿no crees? Te contaré una anécdota de los tiempos de Blankpaper de Castellón. Recuerdo una clase en la que Julián nos habló de William Eggleston, fotógrafo norteamericano que se puso a fotografiar “lo que no le gustaba” y produjo unas imágenes fascinantes. Anteriormente el objetivo de Diane Arbus ya estaba enfocando lo freak, lo raro y lo monstruoso.



Tus cuadros tienen un gran colorido y muchas veces los personajes que representas están en una mesa. ¿Podrías decirnos el porqué? ¿Qué representa para ti la mesa? Y también muchas de las veces los personajes son mujeres. ¿Te sientes identificada con ellas?

Con respecto al color te diré que la pintura sólo pudo disfrutar de ella misma cuando surgió la fotografía a principios del siglo XIX. A partir de entonces, la pintura pudo liberarse de la copia. A su vez, la fotografía tuvo que desarrollar su propio lenguaje de la nada, así que se inspiró en las imágenes que había: la pintura. Llegó el pictorialismo, que más adelante evolucionaría hacia la fotografía documental, más cercana a la realidad que a la estética.

Me fascina el momento histórico en el que los impresionistas se agruparon, salieron del taller e intentaron pintar la luz, no los objetos sino la luz sobre ellos. Sentaron las bases para las primeras vanguardias artísticas del siglo XX y la colección de -ismos: dadaismo, surrealismo, cubismo, futurismo, expresionismo alemán...

¿Por qué decido pintar personajes? Mira Ana, son mis propios alter ego: la sirena, la niña, la madre, la sirvienta... Son roles sociales de la mujer, supongo que por eso trato el tema de la mujer con frecuencia.

Ya que haces alusión al tema de la mujer. Ha habido muchas mujeres artistas a las que no se les ha hecho el caso que se merecen. Frida Kahlo es la más conocida, pero hay muchas más: Claude Cahun, Leonora Carrington, Meret Oppenheit, Lee Miller, Camile Claudel, Louise Bourgeois, Paula Rego y la gallega Maruja Mallo. Otras más contemporáneas como Ana Mendieta, Sarah Lucas o Sophie Calle son fundamentales para el arte actual.

Con respecto al tema de las mesas te diré que existen múltiples significados. La mesa es el lugar donde suceden cosas. También es un escaparate. El lugar donde mostramos lo que queremos. Trabajamos, comemos y nos reunimos en torno a ellas. Según el contexto, la mesa adopta significados contrarios. A veces es una prisión: un símbolo de los convencionalismos sociales que agobian nuestro espíritu. Pero también es un lugar de encuentro. Por otro lado, es una excusa para poder pintar a muchos personajes y desarrollar las relaciones que surgen entre ellos.

El arte es, ante todo, comunicación. En torno a una mesa, sin embargo, se dan situaciones de lo contrario (cada uno a su bola, sin hablarse). Sin embargo, también hay un espacio para la creatividad, la familia y la fiesta. La mesa también es el lugar de la artesanía. El ocio en torno a una mesa es un tema recurrente en la Historia del Arte. Y nuestra cultura Mediterránea es mucho de reunirse con familia y amigos. Las sobremesas suelen alargarse durante horas los domingos.



Desde no hace mucho has estrenado nueva web con blog incluido, enhorabuena. Y también estas muy activa en las redes sociales. Creo que es importante y un buen apoyo para muchos trabajos. Pero mejor que nos digas tu ¿qué opinion tienes al respecto? ¿Cómo ves el mundo virtual desde tu perspectiva artística?

Gracias, Ana. Mira, en mi casita en internet, publico todos los martes en el blog. Las redes sociales son una buena herramienta para amplificar tu mensaje y contactar, pero ¡cuidado! si también sufres el “Síndrome del Objeto Brillante” o te distraes con facilidad, puedes perder el foco... y todo tu tiempo.

Por lo demás internet me parece una herramienta genial.

¡Ah! También he alojado una tienda. En todo este tiempo he aprendido una cosa: necesitas arte en tu vida. Me encargo de convertir tu hogar u oficina en el espacio de tus sueños a través de arte con significado. Si quieres que tus paredes hablen por ti, puedo ayudarte si contactas conmigo escribiéndome un mail.

Siempre he defendido la naturaleza objectual de la obra, incluso de la fotografía. Es tan fácil colgar unas cuantas fotos en la web.... Sin embargo la elección del tamaño, soporte, espacio... conlleva más esfuerzo y reflexión. Sin duda la experiencia del que observa no es la misma tras la pantalla que presencial. El equilibrio es perfecto porque no debes perderte la experiencia de visitar una galería o museo. Si quieres conocer las 7 cosas que puedes hacer en una feria de arte, te lo explico todo en este post.



Por cierto, me gusto mucho ver en Instagram como a partir de un lienzo en blanco le dabas forma hasta obtener lo deseado. ¿Cómo lo haces? ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que has pasado trabajando en una obra?

Gracias Ana. Fue por casualidad investigando la cámara del móvil. Encontré la opción Time-Lapse y empecé a grabar. Esta opción traduce a cámara rápida tus vídeos, de manera que cualquier actividad se presenta acelerada. Me pareció buena idea filmar cómo se construye un cuadro. Hay más gente que lo hace.

Y bueno yo te conozco de fotografía, concretamente de la Escuela Blankpaper, donde dabas clases, recuerdas? Cuéntanos un poco esa experiencia. ¿Por qué te quedaste con la pintura y no otra expresion artistica?

Julián (Barón) contagia su pasión por la fotografía. Cuando abrió la escuela en Castellón fui la primera en apuntarme. Cuando me propuso unirme a su equipo junto con Lidón (Forés) no me lo pensé dos veces. Fueron unos años de mucho aprendizaje y que cambiaron mi visión de la pintura. Cuando vino a la Escuela Blankpaper de Castellón Fosi Vegue (director de la Escuela de Madrid) nos enseñó que para aprender fotografía había que visitar el Museo del Prado, significó un punto de inflexión en la manera de mirar.

Con el tiempo he vuelto a mis raíces: el dibujo, el grabado...El dibujo es la base de todo. La pintura viene después.

Actualmente, ¿en qué proyectos te encuentras trabajando? Seguro hay ideas en mente.

Así es, Ana. Actualmente me encuentro trabajando en un proyecto de colaboración. Es una sorpresa pero te adelanto que tiene que ver con un crowfounding (micromecenazgo) y con la música. Hoy en día es muy interesante sumar fuerzas para sacar adelante los proyectos.

Marta Ribes. Exposición Único y Múltiple. Octubre 2015

[Todas las imágenes han sido cedidas por Marta Ribes]
[Retrato primera imagen. fotógrafo Manuel Peris]


Y una pena, porque seguiría preguntándote mucho mas, pero esto tiene que ir acabando. Así que vamos con las cinco clásicas que te vengan primero a la cabeza.

1. Un libro: Historia de la Fealdad.
2. Un viaje: Galicia.
3. Una película: El festín de Babette.
4. Una comida: La paella.
5. Un sueño: Establecer lazos entre arte y sociedad.

Otra vez Marta, encantada por haber querido hacer la entrevista conmigo y por querer compartirla en mi blog. Muchas gracias.

Gracias a tí por hacerme un hueco en este espacio mágico que es Vie Virtuelle by Aniwiki.

Y eso es todo por hoy. Sed felices y os apetece coger un papel y un lápiz e intentar hacer un dibujo de vosotros mismos a ver cómo os sale, quizás os sale mejor de lo pensáis, sino es así quizás hoy no era el día.

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